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martes, 22 de agosto de 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 25 DE AGOSTO DE 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 25 DE AGOSTO DE 2017

* Feliz cumpleaños para Flor Silvestre, nacida en Salamanca, Guanajuato
* Escucharemos varias canciones dedicadas al Niño Fidencio en los años treinta
* Presentaremos canciones de Los Cuates Castilla con diferentes intérpretes. Leo Marini nació hace 97 años. Ana María Fernández fue descubierta por Lara en el Teatro Lírico. Oiremos corridos sobre la prisión de San Juan de Ulúa. 
* En la Cadena del recuerdo, semblanza de Obdulio y Julián; y en Una canción colombiana para el mundo, conoceremos al dúo Pérez-Pineda

1. Guillermina Jiménez Chabolla, nació hace 87 años en Salamanca, Guanajuato, el 16 de agosto de 1930. Conocida artísticamente como Flor Silvestre, fue llamada “La sentimental” y “La voz que acaricia”. Ya en la Ciudad de México, empezó a participar en la emisora XEFO, conocida como Radio Nacional de México. Durante sus inicios en la XEFO, comenzó a buscar un nombre artístico. Una de las primeras canciones que cantó en la radio fue “La soldadera”, de la autoría de José de Jesús Morales, y el título de esa canción se convirtió rápidamente en su apodo, hasta que una mujer enfurecida dijo que ese apodo era suyo. Un famoso locutor llamado Arturo Blancas le recomendó el apodo de “La Amapola”, por su parecido a una flor, y Guillermina decidió llamarse así, pero, al igual que el apodo anterior, una mujer, esta vez la hermana de la cantante La Panchita, dijo que el apodo era de ella. Finalmente, fue Blancas el que le puso el nombre artístico de “Flor Silvestre”, ya que durante ese año una película del mismo nombre protagonizada por Dolores del Río se estaba estrenando. Ganó un concurso de aficionados en la estación de radio XEW, conocida como La Voz de América Latina desde México, y su carrera despegó. Recibió muchos contratos a partir de entonces. Gracias a su participación en el concurso de la XEW, fue contratada para formar parte del elenco del Teatro Colonial. En ese teatro alternó con comediantes como Jesús Martínez «Palillo» en revistas en las que ella cantaba. En 1950, grabó con Columbia sus primeros éxitos. Flor Silvestre destacó en el cine mexicano como figura estelar de la época de oro. Hizo su debut como actriz en la película “Primero soy mexicano” (1950), dirigida y coprotagonizada por Joaquín Pardavé.

2. Este viernes presentaremos tres canciones de Los Cuates Castilla interpretadas por diferentes cantantes: “Cuando ya no me quieras”, “Ausencia” y “Has vuelto”. Miguel Ángel y José Ángel Díaz Mirón y González de Castilla nacieron el día 2 de septiembre de 1912, en Veracruz. En 1924, a la corta edad de 12 años, Los Cuates Castilla iniciaron su longeva carrera de compositores, cantantes y guitarristas, debutando en el Teatro Principal de su tierra natal, Veracruz. Fueron autores y compositores de letra y música de más de mil canciones de todos los estilos. La primera fue “Tu alma”, compuesta en 1924. Según Pablo Dueñas, el eslabón entre el bolero veracruzano y el bolero capitalino lo realizaron Los Cuates Castilla a través del bolero “Cuando ya no me quieras”, compuesto a los 18 años de edad, en 1930, cuando llevaban más de dos años de vivir en la capital, procedentes de Veracruz. Tuvieron que pasar más de cuatro años para que los cuates grabaran este tema que finalmente llevaron al disco en 1934 y precisamente esta grabación la escucharemos en el programa. Además con los mismos Cuates Castilla presentaremos “Tal como fuiste”, bolero grabado para el sello Víctor acompañados de la orquesta de Miguel Ángel Pazos. Miguel "Cuate" Castilla falleció en la ciudad de México, Distrito Federal, el 21 de junio de 1979. José "Cuate" Castilla falleció en la ciudad de México, Distrito Federal, el 13 de septiembre de 1994. Imagen de Los Cuates Castilla tomada de la Revista Somos. (Con datos de www.cuatescastilla.blogspot.com).

3. En los años treinta se grabaron varias canciones dedicadas un famoso curandero mexicano: El niño Fidencio. Este viernes escucharemos las versiones de Los Cancioneros de Sonora y de Los Trovadores Tamaulipecos. Su nombre verdadero fue José Fidencio de Jesús Sintora Constantino, venerado ahora por la Iglesia Fidencista Cristiana. La Iglesia Católica no le reconoce estatus oficial de santo, pero su culto se ha extendido por gran parte del norte de México y el sur de Estados Unidos. Según lo que apunta Raúl Cadena en su sitio de internet, Fidencio no se desarrolló sexualmente, siempre fue lampiño, de voz aguda. Fidencio llegó al pueblo de Espinazo, Nuevo León en 1921, procedente de Iramuco, Guanajuato, en donde nació en 1898. En Espinazo permaneció casi toda su vida. Fue entonces cuando comenzó a realizar curaciones. El 8 de febrero de 1928, el presidente Plutarco Elías Calles visitó Espinazo y acudió a una sesión curativa con el Niño Fidencio. Aunque nadie conoció el padecimiento del mandatario, se ha dicho que se trataba de lepra nodular. Se narra que Fidencio era famoso por realizar operaciones sin anestesia sin causar dolor en sus pacientes. Asimismo sumergía a sus pacientes en un charco lodoso ubicado en las afueras del poblado. En 1980, CONACULTA, a través del IMCINE, produjo el documental Niño Fidencio, el taumaturgo de Espinazo. En noviembre del 2011 se estrenó una serie mexicana llamada "Niño Santo" basada en la historia del niño Fidencio. El escritor latinoamericano Felipe Montes dedicó una parte de su obra al Niño Fidencio, El Evangelio del Niño Fidencio, donde se plasma una visión mítico-fantástica de la vida de este personaje. Quentin Tarantino hace mención de él en la película Death Proof (A prueba de muerte).Este personaje murió en 1938.

4. Gracias a las amables peticiones de los radioescuchas, de nueva cuenta escucharemos la voz de la cantante Ana María Fernández. Se cuenta que en una de esas ocasiones que Lara tocaba en el Teatro Lírico, el pianista escuchó una voz entre el público, una voz que se distinguía por su potencia y entonación. De inmediato volteó hacía las butacas para localizar a la mujer que cantaba de esa manera. Cuando la localizó entre el público, le pidió que repitiera ella sola la pieza completa. Después de hacer que cantara varias veces el mismo bolero, Agustín Lara bajó del escenario y se dirigió a ella. Dicen que, siendo tan cursi como le permitía su temeridad, se arrodilló ante ella y le pidió si quería ser su intérprete. Ana María Fernández, es decir la joven sentada frente a Agustín, aceptó la invitación. Sólo por casualidad Ana María había asistido a ver la función de Agustín, en realidad ella era una bailarina que trabajaba en la compañía de Roberto “El panzón” Soto. Viuda muy joven, a los 19 años, fue una mujer que decidió entrar a trabajar al teatro para poder mantener a Olga, su pequeña hija. Perteneció al grupo de tiples que salían en los cuadros bailables, pero su jefe, el señor Soto, nunca sospechó de su voz. En ese tiempo ella enfermó de pulmonía que la tuvo en cama varias semanas, cuando ya se sentía un poco mejor, antes de regresar al trabajo en el Teatro Politeama, fue a ver la actuación de Agustín Lara y Juan Arvizu al Teatro Lírico. Fue así como se dio el encuentro con Agustín Lara, un encuentro importante para la música popular en México, ya que por ese acontecimiento podemos disfrutar de la voz de Ana María Fernandez.(Con datos del libro Mi novia la tristeza, escrito por Pavel Granados y Guadalupe Loaeza).

5. Hace 97 años, el 23 de agosto de 1920, nació Leo Marini, en Mendoza, Argentina. Su primera actuación fue en emisora de radio de la Ciudad de Mendoza, LV 10 Radio Cuyo, invitado por unas vecinas que lo escucharon cantar. La experiencia fue efímera, pero le sirvió para tomar conciencia de sus aún imperfectas condiciones de cantante. Fortuitamente, el tenor lírico español Juan Díaz Andrés estaba de paso por Mendoza, cuando Alberto lo escuchó en la misma estación de radio en que debutó y de manera inmediata, buscó su asesoría musical. Díaz aceptó enseñarle canto por un año, casi todos los días, en lo que se convirtió en su única formación musical la cual hizo que dejara de imitar al cantante Juan Arvizu. Cuando Alberto Batet ya tenía perfeccionado el arte de cantar, el mismo Díaz lo llevó a la emisora local a probar suerte y es aquí donde él y Francisco Fábregas, el presentador del programa, lo bautizaron como Leo Marini el seudónimo artístico que usaría en lo sucesivo.Con un grupo de amigos, en 1941 viaja a Chile, donde es contratado para cantar en salas de baile y radio de Valparaíso y Viña del Mar. Es en Valparaíso donde conoce al pianista cubano Isidro Benítez, quien con su conjunto de músicos graban con Leo Marini sus dos primeros discos para la filial chilena de RCA Víctor los cuales contienen los temas Virgen de media noche (Pedro Galindo), Puedes irte de mí (Agustín Lara), Inútilmente y Cerca de ti (ambos temas del compositor Luis Aguirre). En Chile residió durante cuatro meses. En Cuba, cantó con la Sonora Matancera, su primer tema grabado con la agrupación fue Luna yumurina, siguiéndole temas como “Quiero un trago tabernero”, “Mi desolación” y “Desde que te vi”. Leo Marini murió en Mendoza, su ciudad natal, el domingo 15 de octubre de 2000.

6. La canción “Flor de azalea” es una linda creación de Zacarías Gómez Urquiza con la música de Manuel Esperón, quien por cierto tenía tres hijas llamadas Flor de Azalea, Maigualida y Graciela. Tal vez las versiones más destacadas de “Flor de azalea” sean la de Jorge Negrete, acompañado de Los Calaveras y también la grabación que hicieron Los Panchos, sin embargo existe una versión cantada por Toña la Negra en una de sus participaciones cinematográficas, en la que se puede advertir una letra diferente a la que conocemos por ejemplo en la versión de Negreta. Este viernes presentaremos esa versión cantada por la nacida en Veracruz. El letrista de la canción Zacarías Gómez Urquiza destacó básicamente como director y guionista cinematográfico. Gómez Urquiza nació en la Ciudad de México el 5 de noviembre de 1905. En 1940 inició su carrera dentro del cine, como anotador en las películas “Pobre diablo”, dirigida por José Benavides Jr., y “Al son de la marimba”, de Juan Bustillo Oro. Al año siguiente continuó su labor de anotador en “Cuando los hijos se van” (Dir. Juan Bustillo Oro, 1941); “Noche de recién casados” (Dir. Carlos Orellana, 1941); “Simón Bolívar” (Dir. Miguel Contreras Torres, 1941) y “El barbero prodigioso” (Dir. Fernando Soler, 1941). En 1942 tuvo su promoción como asistente de dirección y trabajó al lado de René Cardona, Emilio Indio Fernández, John Ford, Alfredo B. Crevenna y con Alejandro Galindo. Al iniciar la década de los cincuenta, Zacarías Gómez Urquiza debutó como director y guionista en la cinta “Flor de sangre” (1950), a la que siguió “El Tigre Enmascarado” (1950). Como director llegó a filmar 48 películas, de las cuales, más de la mitad se basaron en sus propios guiones. (Con datos de escritores.cinemexicano.unam.mx/biografias/G/GOMEZ_urquiza.../biografia.html).

7. Sin duda versiones interesantes del corrido dedicado a la terrible cárcel de San Juan de Ulúa, ubicada en Veracruz, son las que escucharemos este viernes en interpretaciones del Trío Luna y De los Hermanos Chavarría, agrupaciones fronterizas que llevaron al disco durante los años treinta los terribles relatos que sucedían en esta prisión, que en 1915, por mandato de Venustiano Carranza, se ordenó su supresión. Escribe por Irene Arceo, egresada de la Facultad de Ciencias de la Comunicación de la Universidad Veracruzana y miembro con voto en la organización internacional “Reporteros sin Fronteras” que no ha sido posible precisar la fecha en que se inició la costumbre de confinar presos en la fortaleza de San Juan de Ulúa, pero es un hecho que a fines del siglo XVII ya se encontraban ahí presidiarios aprovechados  en los trabajos de construcción. Según versiones, las celdas de Ulúa eran terroríficas: en cada una de ellas se confinaba hasta  a mil hombres y ahí, en ese espacio oscuro, húmedo y caliente a la vez, hacían sus necesidades fisiológicas, comían y dormían. Había también (y aún puede apreciarse con tristeza y horror) unas celdas de castigo, donde cabían alrededor de siete hombres encerrados en la más completa  obscuridad y sin poder estar de pie, sino sentados o en cuclillas.  Bajo estas  circunstancias estuvieron muchos famosos personajes de la historia mexicana, y entre los muchísimos y distinguidos mexicanos que sufrieron cautiverio en el fuerte, victimas de sus convicciones, no faltó la figura cimera de Benito Juárez, preso en Ixtlán , Oaxaca el 25 de mayo de 1853 y llevado a Ulúa por la implacable dictadura Santanista  que perseguía a los desafectos  a su régimen. Jesús Arriaga, el famoso bandido conocido como Chucho “el Roto” fue detenido en 1885 y enviado a la fortaleza. En 1912 el general Félix Díaz, sobrino del expresidente, fue apresado  e internado en Ulúa por intentar  levantarse en armas contra el régimen maderista. (Con datos y foto tomada de https://efacico.wordpress.com).

8. En la sección Una canción colombiana para el mundo, el coleccionista Alberto Cardona Libreros, desde Bogotá, compartirá la grabación “Mi dulce media naranja”, con el dúo Pérez Pineda, del sello Vergara. Los integrantes de este dúo eran los cantantes Virgilio Pineda, quien nació en Tolima, y Alfredo Pérez, de Ituango, muerto trágicamente en 1961. Virgilio Pineda fue cantante, músico, guitarrista, compositor y luthier, nacido en El Líbano, Tolima, el 4 de septiembre de 1930, y residente en Medellín de la edad de 23 años, en donde conformó diversas agrupaciones de gran calidad de las cuales las de mayor permanencia fueron su dueto Pineda y Pérez en compañía del mencionado excelente cantante de Santa Rita de Ituango, Antioquia, Alfredo Pérez. En sus inicios, Virgilio Pineda tuvo oportunidad de hacer dueto con su gran ídolo y maestro, el profesor Jorge Añez, persona por quien Virgilio profesa la más profunda admiración. La obra de Virgilio Pineda como compositor contiene una amplia gama de modalidades: música romántica, andina, conciertos y más. De su autoría son temas bellísimos como los bambucos “Olvido”, “Magnolias”, "Ibagereñita", “Capricho tolimense”; los boleros “Creyendo que me amabas”, “Un verano sin tí”, “Más amor”, “Mi pecado”, “Te fuiste”, y otros más. Es coautor, con Rafael Roncallo, de “Corazón”, uno de los más bellos boleros colombianos de todos los tiempos. El maestro se dedicó a trabajar en su fábrica de guitarras, y de manera muy especial durante los últimos años, se dedicó a la composición de nuevas obras que habrán de seguir enriqueciendo el archivo musical colombiano. (Con datos de http://www.oocities.org/nashville/opry/3107/virgilio.html).

9. En la sección La Cadena del recuerdo, algo especial: el Doctor Jorge Iván Arango Lopera y su hija Lucía Arango, desde Medellín, Colombia, del programa “Universo musical “nos hablarán del dueto colombiano Obdulio y Julián. Sobre este dueto, Gabriel Cuartas Franco escribe que Obdulio y Julián han sido de los más afamados "serenateros" de Colombia. Sus voces, ya históricas, llegaron a la más rotunda consagración presidiendo serenatas de alta jerarquía en el dormido Medellín de aquel entonces. Las voces y estilo de Obdulio y Julián tienen su neta traducción en el vocablo serenata. Escuchar los más señeros bambucos y pasillos colombianos en sus voces, es escuchar una siempre reeditada serenata, con todos sus cordiales agravantes sentimentales. Por su parte, Hernán Restrepo dice que Obdulio y Julián actuaron en los principales centros artísticos de Medellín. Se sometieron triunfalmente al juicio de los contertulios del Café París. Colaboraron con la Estudiantina del maestro Nicolás Torres, y cuando advino la radiodifusión estuvieron entre los primeros que hicieron programas con música de Colombia. Sus actuaciones se prolongaron por muchos años. Desde aquel lejano 1927 que marca el principio de su colaboración hasta el fallecimiento de Julián, fueron primerísimas figuras en el ambiente artístico nacional. Se acompañaron siempre, en sus actuaciones, con el tiple y la guitarra. Solo excepcionalmente cantaron con orquesta. Quedan muchos recuerdos de sus voces con acompañamientos diversos, en discos fonográficos.

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 25 de AGOSTO de 2017 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.

martes, 15 de agosto de 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 18 DE AGOSTO DE 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 18 DE AGOSTO DE 2017
* Yo soy de Jalisco, soy de Tequila, libro editado en 2015 dedicado a La Torcacita
* Escucharemos varios garbanzos de a libra con Los hermanos Ortiz Tirado
* Además, oiremos “Tirana”, una grabación en la voz Chabela Durán. Una petición de los radioescuchas: Clavelito chino, con las hermanas Barraza. Ricardo García Perdomo autor de excelentes boleros como “Total”. Moisés Simons nació hace 128 años en La Habana
* En la Cadena del recuerdo, un paseo musical por los ritmos de Oaxaca; y en Una canción colombiana para el mundo, oiremos al Cuarteto Imperial

1. Agradecemos la intermediación del Contador Alberto Ramírez Martínez, desde Guadalajara, Jalisco,  para que se nos proporcionara el libro “Yo soy de Jalisco, yo soy de Tequila”, que María Alicia Rodríguez Pérez y la Secretaria de Cultura del Gobierno de Jalisco dedicaron a Matilde Sánchez, La Torcacita, en el año 2015. La Torcacita desde pequeña demostró su inclinación artística, pues a los 7 años ganó un concurso de canto en la radio. Junto con su hermana Faustina formó un dueto al cual llamaron Las Tapatías, por ser oriundas de Jalisco. Se decidieron ir a la capital para hacer una audición en la XEW y fue todo un éxito. A Emilio Azcárraga Vidaurreta no le gustó el nombre de Las Tapatías y las bautizó mejor como Las Torcacitas. Unos cuantos años más tarde Faustina se casa y deja sola a su hermana en su carrera artística, heredándole el mote. Cuando fue solista de música ranchera tuvo su gran época en la radio. También tuvo una buena trayectoria fílmica y participó en más de una docena de películas, alternando con Pedro Infante, Pedro Armendáriz y los hermanos Soler. Según la crítica de la época, la Torcacita fue la heredera de Lucha Reyes, pero con su propio estilo de falsete, muy al estilo de Miguel Aceves Mejía. Al respecto señala Norma Grimaldo, hija de la Torcacita: “Así como a Lucha Reyes se le reconoce por su voz aguda, a Lucha Villa por su tono grave, y a Lola Beltrán por alcanzar notas muy altas, a mi mamá se le recuerda por su falsete. Este recurso lo utilizó porque no alcanzaba notas muy altas, pero en su voz el falsete tomó una nueva denominación y se le considera la creadora del falsete ranchero, porque antes nada más existía en el huapango”. (Con datos de http://www.fonotecanacional.gob.mx).

2. Este viernes presentaremos varias canciones en interpretación a dueto de Alfonso Ortiz Tirado y su hermana Sarah Ortiz Tirado, gracias a la aporte de nuestro colaborador Rogelio Antonio Ramos con material compartido por el Pablo Dueñas, por ejemplo escucharemos canciones como “Lágrimas” y “Por qué has venido”, grabadas para el sello Brunswick en 1928. Sarah Ortiz Tirado nació en Álamos, Sonora en 1891 y murió en la Ciudad de México en 1983. Fue cantante soprano y pianista. Trasladada con su familia a la ciudad de México, estudió canto con Virginia Galván de Nava y piano con Pedro Luis Ogazón. Sus hermanas Adelina, Beatriz y María Luisa también destacaron como cantantes desde su juventud, aunque sólo Sarah y su hermano Alfonso se consagraron a la música de manera profesional. Ofreció sus primeros recitales de piano en San Ángel, en la academia de Ogazón. Después tocó en los teatros Iris y Arbeu, y actuó como acompañante de lied y canción mexicana. Sobre todo desde 1921 se presentó al lado de su hermano Alfonso, con quien hizo giras y grabaciones con música mexicana. (Con datos de Gabriel Pareyón en su libro Diccionario Enciclopédico de Música en México, basado en el libro Alfonso Ortiz Tirado: Su vida en la ciencia y en el arte, de Enriqueta Parodi).

3. Sobre Alfonso Ortiz Tirado, escribe Hernán Restrepo Duque lo siguiente: “Una antigua ciudad mexicana con callejuelas de adoquines y a la que arrullan cantos de troveros sentimentales y cuentos de brujas, que se llama Real de los Álamos y que se distingue como La Ciudad de Los Portales, ubicada en el estado de Sonora, vio nacer a dos personajes del mundo farandulero que destacaron mundialmente y que llegaron a ser, cada uno en lo suyo, los más queridos símbolos de Méjico: María Félix, la esplendorosa belleza que se convirtió en la actriz número uno del cine en español, y Alfonso Ortiz Tirado, médico y cantante que provocó los suspiros de las quinceañeras de todo el continente entre las décadas 30 y 40 y sigue alentando los recuerdos de tres generaciones, con la rara expresión de su voz tenorina”. Alfonso Ortiz Tirado nació el 24 de Enero de 1893 y su deceso tuvo lugar en la capital de su país, el 7 de Septiembre de 1960. En los finales de 1919 terminó sus estudios de medicina, que ayudó a financiar con actuaciones artísticas en un hotel de Nueva York, pero su debut oficial como cantante fue en el teatro Esperanza Iris en 1928 y en un festival benéfico para dotar a la Sala de Ortopedia del Hospital General de aparatos profesionales. En esos años interpretaba preferentemente arias operáticas. Participó en la audición de estreno de la célebre emisora XEW y luego atravesó los cielos americanos para actuar en las principales emisoras en audiciones triunfales cobrando sueldos fabulosos que invertía en la construcción de un sanatorio que al fin se inauguró el 23 de Mayo de 1938 y que sirvió preferentemente a personas de escasa solvencia económica.

4. Gracias al aporte del coleccionista Luis Chapa, desde Reynosa, Tamaulipas, escucharemos un auténtico garbanzo de a libra. Se trata de la versión que grabó Chabela Durán al tema “Tirana”, de Agustín Lara. Nos recuerda el Ing. Chapa que en el año de 1948, Agustín Lara estrenó su canción “Tirana”, grabándola para el sello Anfión, cuyo propietario era el señor Mitrani, y quizá por lo pequeño de la compañía discográfica no se le dio la difusión que debiera. En esa grabación se escucha la voz de El Flaco de oro con el acompañamiento de su propia orquesta y las voces de un trío de hermanas que se iniciaban en el ambiente artístico conocidas como Las Hermanas Julián, hermanas del tenor Julio Julián. Esta melodía, con ritmo de danzón, también fue llevada al acetato en ese mismo año por otra cantante e intérprete de Lara llamada Chabela Durán. En 1953 el compositor firma un contrato para la compañía  Victor y la Orquesta de Solista de Lara graba ese tema nuevamente. En el año 2008,  o sea después de 60 años de su estreno, la cantante Adriana Landeros le da un nuevo brillo a  esta melodía,  a pesar de que en sus tiempos no fue muy escuchada, le imprime un estilo moderno, pero respetando el ritmo que Lara musicalizó. La versión de “Tirana” con Chabela Durán es sin duda un interesante hallazgo del señor Chapa. Chabela Durán fue madre de una de las esposas de Agustín, Rocío Durán.

Al hablar de esta intérprete, en el libro Mi novia la tristeza se destaca que “Chabela Durán era una intérprete veracruzana que había comenzado a cantar desde finales de los años treinta, pero no había conseguido programas de radio ni lugares para actuar en los cuales pudiera destacar su voz. De todas las intérpretes de Lara, sólo Elvira Ríos se podría comparar con el carácter arrebatado de Chabela Durán. Para esta voz tan inmensa, Lara compuso el tema El mar, el cielo y tú. Este tema era como un vestido cosido a la medida de Chabela y la prueba es que nadie ha podido mejorar esa interpretación. Desde los agudos en los que comienza esta canción,  y que Chabela dominaba bien, hasta los graves  en los que Chabela arrastraba la voz, la personalidad de esta cantante se extendía y dominaba.” Chabela, junto con su hija Rocío, frecuentaba a Agustín Lara para ensayar su repertorio. Chabela llevaba a Rocío, entonces de 9 años, y saludaba Agustín como papá o papi. Agustín pensó que su primera esposa estaba muerta y decidió casarse con Rocío en España. Su enlace matrimonial fue celebrado en la cripta de la iglesia de la Virgen de Guadalupe, que aún no estaba terminada. El matrimonio provocó que Chabela rompiera relaciones con su hija. El resultado de la unión no se hizo esperar; la diferencia de edades, cuarenta y tantos años, hizo que sobreviniera la separación. Además, la Chata Zozaya aún no le había otorgado el divorcio. (Foto de Chabela Durán: Cortesía Luis Jaime Chapa).

5. Gracias al aporte de coleccionistas con Don Luis Jaime Chapa y Omar Martínez Benavides este viernes presentaremos de nueva cuenta auténticos garbanzos de a libra en las voces de las fronterizas Hermanas Barraza. En esta ocasión escucharemos una canción llamada “Clavelito chino”, compuesta por María Luisa Canales y María del Rosario Ortega, que eran las integrantes del dueto Las Dos Marías y que también grabaron el tema en cuestión. La grabación con las Hermanas Barraza que escucharemos, acompañadas de guitarras, se hizo para el sello Vocalion el 24 de noviembre de 1936. De acuerdo con Datos de Omar Martínez, este dueto estaba conformado por dos hermanas originarias del estado de Chihuahua, pero que su familia se tuvo que ir a los Estados Unidos, en plena Revolución. Las Hermanas Barraza hicieron más de 100 grabaciones desde 1936 hasta 1938 para los sellos DECCA, Vocalion y Columbia. Según consta en los catálogos de la colección de grabaciones mexicanas y estadounidenses “The Strachwitz Frontera”, las hermanas Barraza grabaron diferentes géneros musicales como boleros y en general canciones de moda. Entre las grabaciones que realizaron están "Así es mi tierra", "Rincón mexicano". "Toda mía", "Chatita", "Desengaño", "Redención" y otras más. Las canciones que grabaron son de los más destacados compositores de la época como Tata Nacho, Miguel Prado, Mario Talavera y Agustín Lara, entre otros. El dueto estuvo integrado por María Luisa Barraza y su hermana de nombre Luz Barraza, que también grabaron algunos temas como solistas.

6. El compositor cubano Ricardo García Perdomo nació el 20 de abril de 1917 en Santa Clara, pero fue trasladado a Cienfuegos donde transcurrió sus años de infancia y adolescencia. Falleció el 13 de septiembre del 1996 en Miami, Estados Unidos. En 1942 se traslada a La Habana. En 1959 llegó su éxito “Total”, García Perdomo se había inspirado para componerlo en una mujer a la que vio sólo una vez y de manera fugaz y que nunca sabría que ella motivó aquella pieza. Por razones que desconocemos García Perdomo guardó su bolero durante más de una década. Saldría al mercado en 1959 y en diciembre de ese año acumulaba ya cuarenta versiones, entre estas las de Lucho Gatica, Olga Guillot, Fernando Álvarez, entre otras. Ñico Membiela logró vender en Cuba muchas copias; por su parte Celio González, en México, vendió una cantidad de discos inesperada a sólo tres meses de haberla grabado. Ricardo García Perdono logró salir de Cuba en 1991, viviendo en un pequeño cuarto en Miami Beach rodeado de viejos recortes de periódicos y su batalla por rescatar su patrimonio musical, en el ocaso de vida, algo que no logró nunca. Según le conto al periodista Armando Correa: "Si durante todos estos años hubiera cobrado el derecho de autor de una sola de mis canciones, refiriéndose a "Total", hoy sería millonario". Compuso importantes boleros, como “Qué te cuesta”, y sobre todo “Total“, de amplia difusión internacional, así como “Todo se paga”, “He vuelto a buscarte”, “Asombro”, “Palabras viejas”, “Yo te perdono”, “Si volviera a nacer”, “Invierno en el corazón”, , “Delito y veneno” "He logrado renacer" , " "Quiero", "Sin reproche " y muchas más. (Con datos y foto tomados de www.musicubamyblo.blogspot.com).

7. Moisés Simón Rodríguez, más conocido como Moisés Simons nació hace 128 años en La Habana, Cuba, el 24 de agosto de 1889, y falleció en Madrid, el 24 de junio de 1945. Fue el compositor del célebre “El manisero”, la cual escucharemos en versión de Juanito Arvizu y la Marimba Panamericana, y que es posiblemente la más famosa canción creada por un músico cubano. La canción ha sido grabada en más de 160 versiones. Comienza a estudiar música con su padre Leandro Simón Guergué, músico vasco. A los 15 años comenzó estudios avanzados de composición, armonía, contrapunto, fuga e instrumentación. Más tarde se convirtió en pianista de concierto y director musical para compañías de teatro lírico. Trabajó en el Teatro Martí, donde presentó comedias musicales del maestro Ernesto Lecuona. Después se mudó al Teatro Peyret contratado por el compositor Vicente Lleó, quien dirigía una compañía de zarzuela. Con ellos hizo giras por México, República Dominicana, Puerto Rico y Centroamérica. En 1924, Simons fundó su jazz band con la que se presentaba en el "roof garden" del Hotel Plaza en La Habana. Simons también fue un investigador de la música cubana llegando a publicar sus trabajos en periódicos y revistas. Simons pasó en Francia, y mayormente en París, la mayor parte de la década del treinta y el comienzo de la del cuarenta hasta el advenimiento de la Segunda Guerra Mundial. Retornó a Cuba en 1942 para poco más tarde partir hacia Tenerife y después a Madrid. Aquí firmó un contrato para realizar la música del film Bambú. En este film se incluía su última composición “Hoy como ayer”. Murió en Madrid en 1945. (Foto de Moisés Simons con la Mistinguett, célebre vedette, actriz y cantante francesa, en París).

8. En la sección Una canción colombiana para el mundo, el coleccionista Alberto Cardona Libreros, desde Bogotá, Colombia, nos presentará música y semblanza del Cuarteto Imperial, un conjunto de cumbia originario de Colombia que cosechó éxitos y relevancia internacional en la década de 1960. El inicio de su época dorada comenzó en 1964 en Argentina, desde donde fueron reconocidos en toda América del Sur. Muchas de las cumbias, compuestas por su director Heli Toro Álvarez, como “Río Mamoré”, “Caramelo Santo”, “Adiós adiós, corazón” permanecen como repertorio clásico del género en la memoria de toda una generación. El grupo se formó en 1961 en Quimbaya, departamento de Quindío, Colombia, al reunirse el maestro de música Heli Toro Álvarez, quien en aquel tiempo lideraba una peña folclórica, con los hermanos Octavio y Juan de Dios Acosta Arias, que venían de participar en el Trío Rubí, conjunto que formaban con un primo. Heli sumó a Antonio Muñoz Álvarez, y el primo de los Acosta Arias abandonó al trío Rubí, con lo que quedó formado el nuevo grupo, con el nombre inicial de “Heli Toro y su trío imperial”. Fue un directivo de sello Victoria de Cali quien sugirió el cambio de nombre a Cuarteto Imperial, como una forma comercial más simple. Según Acosta Arias, Heli aceptó el cambio muy a regañadientes y después de bastantes dudas. De ahí en adelante la agrupación comenzó una gira por Ecuador, Perú, Bolivia y Argentina donde logra un rotundo éxito.

9. En la sección La Cadena del Recuerdo, Fernando Merino Reyes, desde la XEJAM, La Voz de la Costa Chica en Santiago Jamiltepec, Oaxaca, México, nos dará un paseo musical por los diferentes ritmos musicales de Oaxaca. La música de este estado es muy diversa y rica culturalmente ya que se interpretan diversos ritmos dependiendo de la región cultural y geográfica de este. Muchas canciones oaxaqueñas son bien conocidas alrededor del mundo, tales como: "La sandunga", "La Martiniana", "La llorona", "Canción mixteca", “Dios nunca muere” y muchas más que forman parte de la cultura mexicana. Los sonidos de Oaxaca son muy variados ya que van desde bandas de viento en la sierra; sones y jarabes en la Mixteca; chilenas en la Costa; sones y huapangos en la cuenca del Papaloapan con acompañamiento de arpa y jaranas, música de marimba en el Centro; canciones zapotecas en el Istmo; y la canción mixteca es la más reconocida, junto con el himno de Oaxaca, el vals “Dios nunca muere”, del compositor Macedonio Alcalá, con bandas como las de Tlaxcaltepec o Aguatlán mixe que son del municipio de Cacalotepec. Entre los músicos destacados del estado se encuentra el ilustre Macedonio Alcalá, Álvaro Carrillo, José López Alavés y otros más.

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 18 de AGOSTO de 2017 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.

lunes, 7 de agosto de 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 11 DE AGOSTO DE 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 11 DE AGOSTO DE 2017
* Hace 10 años falleció Ramón Macías Rivera, la voz oficial de nuestro programa
* Escucharemos su voz en presentaciones, poemas y cortinillas
* Además, disfrutaremos de canciones de Rafael Hernández. En el Rinconcito Arrabalero, oiremos Vete de mí, de los hermanos Expósito. Desde Michoacán, las Hermanas Padilla
* En la Cadena del recuerdo, semblanza de María Grever, nacida hace 133 años; y en Una canción colombiana para el mundo, oiremos Guabina chiquinquireña, de Alberto Urdaneta

1. Este viernes en Hasta que el cuerpo aguante recordaremos a un personaje cuya voz nos ha acompañado a los largo de los más de 22 años que este programa de radio tiene al aire, nos referimos al locutor Don Ramón Macías Rivera, cuya voz que le da un toque particular y distintivo a las emisiones semanales. El pasado 21 de julio de 2017 se cumplieron 10 años de su fallecimiento, pero su voz sigue sonando a través de las ondas hertzianas en Hasta que el Cuerpo Aguante con las rúbricas, cortinillas, promocionales y el toque especial de su identificable tono para hablar. Este viernes presentaremos esa voz en presentaciones de canciones que nos dejó, además de algunos poemas y frases que grabó hace más de 20 años y que hemos encontrado en el baúl de los recuerdos en viejas cintas de carrete abierto. Además, también nos dejó grabado con su voz una joyita que él tituló “Corrido de Hasta que el cuerpo aguante”. Don Ramón Macías Rivera nació en Aguascalientes, México, y se dedicó a la docencia, pero se sintió fuertemente atraído por la música y la radio. Precisamente en XEUAA, Radio Universidad de Aguascalientes, durante los años ochentas y noventas lo conocimos como conductor del programa “Recuerdos del rock anda roll” en su primera etapa. Ahí fue cuando, atraídos por su agradable, pausada y pícara voz, lo invitamos a grabar algunas cortillas e identificaciones de nuestro programa Hasta que el cuerpo aguante, que recién entraría al aire en abril de 1995 y él aceptó con mucho entusiasmo. Hasta la fecha su voz grabada sigue sonando en nuestro programa viernes a viernes. Al final de este menú musical presentamos una semblanza de Don Ramón Macías, redactada por sus hijos y esposa.

2. La agradable y sedosa voz de Don Ramón Macías nos hará la introducción de algunas canciones compuestas por Rafael Hernández Marín, también conocido como El Jibarito, quien nació en la ciudad de Aguadilla, Puerto Rico, en una familia pobre, el 24 de octubre de 1892. Cuando era niño, aprendió el arte de la fabricación de cigarros. También aprendió a amar la música y pidió a sus padres que le permitieran convertirse en un estudiante de música de tiempo completo. Cuando tenía 12 años de edad, Hernández estudió música en San Juan. Aprendió a tocar muchos instrumentos musicales, entre ellos el clarinete, tuba, violín, piano y guitarra. En 1917, Rafael Hernández estaba trabajando como músico en Carolina del Norte, cuando los Estados Unidos entraron a la Primera Guerra Mundial. El músico de jazz James Reese Europe reclutó a los hermanos Rafael y Jesús Hernández, junto con otros 16 puertorriqueños, para que se unieran a la Orquesta Europa, la banda musical de los Harlem Hell Fighters del Ejército estadounidense. Tras la guerra, Hernández se mudó a la ciudad de Nueva York. En 1920, viajó a Cuba, donde vivió hasta 1924. A su regreso a Nueva York, organizó un trío llamado Trío Borinquen o Borincano. En 1932, Rafael Hernández se mudó a México, donde dirigió una orquesta y se enroló en el Conservatorio Nacional de Música para incrementar su acervo musical. Hernández contrajo matrimonio con una mexicana. En 1937, escribió Lamento borincano, una de sus grandes obras; y ese mismo año compuso Preciosa, considerada como su pieza maestra. Hernández regresó a Puerto Rico en 1947. 

3. Con las Hermanas Padilla presentaremos dos rarezas musicales presentadas por la voz oficial del programa, Don Ramón Macías Rivera: “Adiós a mi novia” y “Alma angelina”. Las Hermanas Padilla, Margarita y María Padilla Mora, comenzaron a grabar en el año de 1936 en la ciudad de Los Ángeles. Destacaron como fieles intérpretes del sonorense Manuel S. Acuña quien las dirigió en sus primeras grabaciones. Son originarias de Tanhuato, Michoacán. Su familia emigró a California en la década de 1920 y pronto se iniciaron en la actividad artística a instancias de su padre, empezando sus presentaciones en radio a mediados de los años treinta y su primera grabación en 1937, con los temas “Por qué será” y “La barca de oro”. El dueto alternó canciones mexicanas con corridos y boleros como “Mis ojos me denuncian”, “Confesión” y muchos otros, convirtiéndose en importantes difusoras de la música popular mexicana, inicialmente en los Estados Unidos y la frontera norte de nuestro país, pero en poco tiempo también se difundieron por todo México, Centro y Sudamérica, convirtiéndose desde entonces en dignas representantes del género durante toda una época. Sus discos contribuyeron a formar la llamada “música de carrilera” en Colombia, donde siguen siendo muy populares. María fue también la voz femenina del dueto Azteca.

4. Para la sección Rinconcito arrabalero, desempolvaremos la presentación que hace muchos años hizo Ramón Macías de la canción “Vete de mí”, de los Hermanos Homero y Virgilio Expósito. Los hermanos Virgilio y Homero Expósito son los autores del bolero “Vete de mí”, que fue sensación en los países caribeños durante largos años. Escribe José María Otero que alguna vez Olga Guillot le platicó que “Vete de mí”, que ella ya había grabado, no sólo le parecía genial, sino que había cambiado la forma de hacer boleros. Hasta Fidel Castro fue fanático de este tema de los Expósito. La realidad es que “Vete de mí” ha sido grabada por diversos cantantes de diversos países, lo que habla de la dimensión que alcanzó el inusual bolero de Homero y Virgilio Expósito, compuesto en 1936 cuando Homero contaba 18 años y Virgilio 13. Los versos de Homero están enraizados en un fracaso amoroso juvenil. Años más tarde, en un reencuentro en Buenos Aires, el cantante Roberto Yanez le pregunta al menor de los Expósito si tenía algún bolero para grabar para su primer disco en la Columbia. Y Virgilio cuenta: “Yo dije, sí, tengo un bolero y no era bolero”. Después Daniel Riolobos se lo llevó a Cuba y me escribió desde La Habana: “Yo no sé qué pasa que tu bolero es un despelote”, y yo decía, ya se dieron cuenta que nos es bolero, pero me decía: “Realmente compusiste el himno de Cuba, acá lo cantan todos… Virgilio dice que una de las más renombradas versiones es la de Bola de Nieve, quien tenía una sensibilidad fuera de lo acostumbrado para cantar que ponía la piel de gallina a quien lo escuchara y para mí fue una satisfacción que Ignacio Villa lo grabara. Al escucharlo uno termina llorando. Para mí fue una cosa sumamente lograda esa grabación. (Con información de http://tangosalbardo.blogspot.mx).

5. En la sección Una canción colombiana para el mundo escucharemos al dueto de las Hermanas Pérez, acompañadas de Los Isleños, interpretando “Guabina chiquinquireña”, de Daniel Bayona y Alberto Urdaneta. Sobre este último, Urdaneta, fue autor de bambucos, zarzuelas, villancicos y es catalogado como el prototipo del músico que ha sabido interpretar los sentimientos de los habitantes del altiplano cundinamarqués. Nació en Ubaté el 4 de Mayo de 1895. Murió en Madrid, España, el 27 de abril de 1953. Su máxima celebridad se la debe a su "Guabina chiquinquireña". Esta obra fue compuesta por Alberto Urdaneta en abril de 1925 como regalo de bodas para su hermano José Ignacio quién debía contraer matrimonio en Chiquinquirá. Fue interpretada por primera vez el 10 de abril en Ubaté, el 12 de abril en la basílica de Chiquinquirá con gran emoción del pueblo boyacense, que desde entonces la adoptó como su canción folclórica. La letra de la "Guabina chiquinquireña" es muy representativa del amor en la romería boyacense. También fue interpretada en la primera película rodada en español en Hollywood, "La Divina Aventurera", e incluida en la versión de "La Vorágine", en México, película en la que intervino la actriz colombiana Alicia Cato. Otros títulos de la producción  de Urdaneta son "Filipichín", la sinfonía coral "Santafé de Bogotá", "El Milagro " y "La Lluvia". Véase la foto de Urdaneta tomada del libro “Canciones y recuerdos”, escrito por Jorge Añez y publicado en 1951, en donde se discute el origen del bambuco, los instrumentos típicos del folklore colombiano y la evolución de la canción colombiana a través de sus más afortunados compositores e intérpretes.

6. En la sección La Cadena del recuerdo, ofreceremos una semblanza de la compositora mexicana María Grever, cuyo nombre de soltera era María Joaquina de la Portilla Torres. Nació en Guanajuato el 16 de Agosto de 1884 y murió el 15 de diciembre de 1951. Algunos historiadores dicen que nació en León, Guanajuato, México; otros afirman que nació en un barco (durante un viaje de su madre a España), otra fuente menciona que es nativa de Unión de San Antonio, Jalisco. Vivió su niñez en Madrid, donde realizó sus primeros estudios musicales. Alrededor de 1900 regresó a México y comenzó a componer una larga serie de canciones. En la ciudad de México, en 1907, casó con el estadounidense Leon August Grever, por lo cual adoptó el nombre de María Grever. Desde 1916 vivió en los EU y adquirió la nacionalidad estadounidense. Durante una temporada de veinte años su esposo debió trabajar en México, y en el transcurso de ese prolongado período se consagró a la composición de canciones. Desde 1920 trabajó para la Paramount y para la 20th Century Fox, componiendo los fondos musicales de varias películas. Su primer gran éxito llega cuando José Mojica, el insigne tenor mexicano, le interpreta su celebérrima canción “Júrame”.  En 1953, Libertad Lamarque interpretó el papel de la Grever en “Cuando me vaya”, película biográfica dirigida por el chileno Tito Davison. María Grever vivió y murió en Nueva York. A petición suya, sus restos fueron trasladados a la Ciudad de México, donde breves años atrás se le otorgara la Medalla al Mérito Civil.

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 11 de AGOSTO de 2017 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.

RAMÓN MACÍAS RIVERA, UNA VOZ IDENTIFICADA CON HASTA QUE EL CUERPO AGUANTE

* Por sus hijos y esposa para “Hasta que el cuerpo aguante".

El pasado 21 de julio de 2017 se cumplieron diez años de su fallecimiento


El Profesor Ramón Macías Rivera nació el 22 de mayo de 1941 en la capital del estado de Aguascalientes. Fue el segundo de cinco hijos, en una familia formada por la señora María Pola Rivera Rodríguez y por el señor Alfonso Macías Arteaga, jefe de carpinteros en los Talleres de Ferrocarriles de Aguascalientes. Estudió una carrera comercial y luego la escuela secundaria en Aguascalientes, para partir después hacia Ciudad Guzmán, Jalisco, en donde luego de realizar un examen de admisión entre cientos de estudiantes, tuvo la dicha de ingresar al Centro Normal Regional, del cual egresó el 20 de junio de 1967 como Profesor en Educación Primaria, sintiéndose a partir de entonces muy orgulloso de formar parte de la quinta generación de egresados. 

Inició su carrera como docente en la Zona Escolar de Ojuelos, Jalisco, laborando durante siete años en varias escuelas primarias de esa zona escolar. El 16 de diciembre de 1967, en el Templo del Ave María, contrajo matrimonio con Luz María Ávalos Esparza, convirtiéndose después ambos en ejemplares padres de cinco hijos. En el Instituto Tecnológico Regional de Aguascalientes inició la carrera de Técnico Electricista, misma que se vio truncada por un tiempo debido a que sufrió, junto a otros tres maestros, un accidente carretero en el que estuvo a punto de perder la vida. Sin embargo, luego de recuperarse concluyó la carrera. Con la finalidad de fortalecer su formación docente, y aun padeciendo secuelas del accidente, en el mes de julio de 1972 salió una vez más de Aguascalientes para cursar una Especialidad en Biología en la Escuela Normal Superior de Estudios Intensivos de Guanajuato. 

El 14 de octubre de 1974 ingresó a laborar al Centro Regional de Educación Normal de Aguascalientes (CRENA), y durante algunos años combinó la docencia con el trabajo de mecanografista en las oficinas del Registro Civil. También dio clases durante algunos años en la Escuela Normal de Aguascalientes, pero fue en el CRENA donde trabajó la mayor parte de su vida profesional docente, teniendo el privilegio de participar en la formación de muchas generaciones de educadoras y profesores, jubilándose en 1997. Melómano de casi toda la vida, poco a poco formó su propia colección de música, con géneros tan variados como la instrumental o la ranchera, pero guardando un lugar especial para el rock and roll, lo que lo lleva desde finales de 1986 y durante varios años más, a participar en la producción y conducción del programa de radio “Recuerdos del rock and roll”, que se transmitía los sábados, primero en Radio Universidad y después en Estéreo Mendel.

lunes, 31 de julio de 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 04 DE AGOSTO DE 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 04 DE AGOSTO DE 2017
* Hace 30 años falleció Salvador Chava Flores
* Desde Colombia, recuerdos de Bob Toledo, Lucho Bermúdez y Carlos Julio Ramírez
* Además, recordaremos a la bolerista mexicana María Enriqueta. El Dr. Arturo Neri, célebre autor del bolero Cariño. Desde Oaxaca, escucharemos canciones de Jesús Chuy Rasgado. Los Pepes, de los más antiguos tríos de la época romántica
* En la Cadena del recuerdo, Félix Hurtado presentará semblanza de Luis Cruz; y en la sección Permítame un recuerdo, Gaspar Marrero nos hablará de la cantante Doris de la Torre

1. Hace 30 años, el 5 de agosto de 1987, falleció Salvador “Chava” Flores. Sobre su vida, el propio Chava Flores en su testimonio autobiográfico “Relatos de mi barrio”, de ediciones Algeste, destaca lo siguiente: “Nací el 14 de enero de 1920 en una de las calles de La Soledad, allá por el rumbo de La Merced en la Ciudad de México, cuando aún era presidente de la República don Venustiano Carranza a quien no tuve el gusto de conocer… No sé por qué, tal vez porque mi papá no pagaba la renta a sus debidas horas, el caso es que durante mi infancia recuerdo mil domicilios diferentes. Viví en todos los barrios que en ese tiempo formaban la totalidad de la ciudad e inclusive otros que se salían de ella: Peralvillo, los Doctores, Roma, Romita, Juárez, Cuauhtémoc, El Carmen, Santa María la Ribera, Santa María la Redonda, San Rafael, Tacubaya, Coyoacán, etc., etc. y etc. Y si no viví en el Castillo de Chapultepec fue porque en ese tiempo, discriminatoriamente, sólo lo alquilaban al que fuera presidente de la república; pero si ahí hubieran existido disponibles dos cuartos con baño y cocina, les juro que papá hubiera hecho lo imposible porque los habitáramos… Para 1932, yo vivía en las calles de Guillermo Prieto 126, interior 5, una vecindad que ya no existe y que estaba separada del barrio de Santa Julia por lo que, durante mucho tiempo, fue el famoso Río Consulado. De esa vecindad mis recuerdos brotan como las chipas saltan del carbón ardiente, y aunque en ocasiones queman por su misma naturaleza, si se les mira con la atención debida son tremendamente hermosas.” (Foto y texto tomado de http://www.imer.mx/rmi/salvador-chava-flores-cronica-de-un-pequeno-homenaje-radiofonico).

2. Desde Colombia recordaremos al cantante Bob Toledo, quien recientemente cumplió 100 de natalicio y de acuerdo con el sitio www.radionacional.co  actualmente se encuentra en el olvido. Reconocido mucho más en el exterior que en su propia tierra y dueño de una historia trágica e injusta, Bob Toledo fue una eminente figura de la canción en Latinoamérica, en especial como representante del bolero. Nacido en Cartagena el 12 de abril de 1917, era hijo de inmigrantes armenios y su nombre real era Alberto Basmagi Balán. Inició su carrera en las Emisoras Fuentes de don Antonio Fuentes, fundador del sello discográfico que lleva su apellido, y a sus 27 años empezó sus correrías por el mundo, primero por Panamá, donde integró la popular orquesta de Armando Boza, y luego, en 1945, pasó a residir en Buenos Aires por 10 años. Allí participó de las primeras grabaciones de Lucho Bermúdez y de diferentes formaciones de jazz, tango y bolero. Su buen manejo del idioma inglés le permitió hacer las veces de cantante de música americana o de “crooner”. Luego viajaría por Uruguay, Chile, Brasil, Perú y Cuba; para regresar a Colombia a finales de la década del 50 y grabar con diferentes formaciones, desde la de Pacho Galán hasta la de Mincho Anaya, dejando con ellos un repertorio de boleros entre los que se encuentran sus versiones de “Buenos días tristeza”, “Eclipse”, “Llanto de luna”, “Lágrimas negras”, “Hay que saber perder”, “Mala noche” y la que fuera su canción favorita, el bolero “Cartagena” de Adolfo Mejía. Decepcionado por el poco reconocimiento popular de su trabajo en Colombia, y propenso a las depresiones, Bob Toledo se retiró de la música en la década del 60 y pasó a residir a la isla de San Andrés, donde montó algunos almacenes al lado de su hermano. Allí decidió quitarse la vida el 21 de abril de 1974. El pasado 12 de abril se conmemoraron 100 años del natalicio de Bob Toledo, un gigante colombiano del bolero en el olvido. Por eso, es nuestro Artista de la Semana. (Con datos tomados de https://www.radionacional.co/noticia/artista-de-la-semana/bob-toledo-100-anos-de-bolerista-olvido).

3. Y también desde Colombia, volveremos a compartir con usted en la sección Una canción colombiana para el mundo, con el coleccionista Alberto Cardona Libreros, dos porros que son verdaderos garbanzos de a libra: uno interpretado por la orquesta de Lucho Bermúdez grabado en 1943 llamado  "Cadetes navales" y otro titulado "Borrachera", de Lucho Bermúdez, en versión de la orquesta del argentino Eduardo Armani, grabado en Buenos Aires. Luis Eduardo Bermúdez Acosta nació en Carmen de Bolívar, el 25 de enero de 1912 y murió en Bogotá, el 23 de abril de 1994. Fue más conocido como Lucho Bermúdez, fue un músico, compositor, arreglista, director e intérprete colombiano, es considerado uno de los más importantes intérpretes y compositores de música popular colombiana del siglo XX. La importancia de su obra musical radica en haber adaptado ritmos tradicionales colombianos como la Cumbia y el Porro, en ritmos modernos que se convertirían en símbolos de identidad nacional desde la década de los treinta. Lucho Bermúdez fue uno de los primeros innovadores que experimentaron con la adaptación de éstos ritmos locales del Caribe Colombiano, y que los adaptaron al lenguaje musical contemporáneo de la época. Su obra tuvo gran impacto en otros países de América Latina. Lucho Bermúdez fue tal vez el principal responsable por haber hecho que la Cumbia y el Porro se convirtieran en estandartes de la música colombiana a nivel internacional desde la década del 40. Su obra musical siempre estuvo profundamente influenciada por los porros y fandangos de la Sabana de Bolívar y los pueblos costeros de zona norte de Colombia.

4. Desde Cuba, en la sección Permítame un recuerdo, Gaspar Marrero, de la emisora CMGC, Radio Vitral, 103.9 FM de la ciudad de Sancti Spiritus, Cuba, nos ofrecerá una cápsula dedicada a la radio de antaño en Cuba y a la cantante Doris de la Torre: cantante de feeling muy popular en los clubes habaneros de finales de los años cincuenta y principios de los sesenta. Doris de la Torre nació en Santa Clara, Las Villas, el 18 de mayo de 1932 y murió el 9 de junio de 2003 en la misma ciudad. Estudió guitarra con el profesor Macías. En 1942 se trasladó para La Habana, donde en 1953 comenzó a trabajar en CMQ (radio y televisión) y en cabaret, donde actuó como cantante, acompañándose con la guitarra. Hizo un pequeño papel en una famosa telenovela y tuvo una brillante carrera de solista en la década de los 50 en La Habana. Entre 1954 y 1958 trabajó con Los Armónicos de Felipe Dulzaides con los que grabó alrededor de tres discos como cantante, vocalista y en ocasiones como vibrafonista. En este grupo se cultivaba el bossanova brasileño y el jazz melódico de la forma más moderna de la época, y Doris podía dar riendas sueltas a los cambios de tono jugando con la armonía lo que la destacó dentro del movimiento filin, de ahí que llegaran a llamarle la reina de ese estilo interpretativo. En 1960 popularizó La renuncia, de Eduardo Davidson; posteriormente se radicó en los Estados Unidos, y allí divulgó las canciones de filin en compañía de José Manuel Solís (Meme). Enferma y anciana regresó y murió en su Villa Clara natal. Un último disco compacto salió bajo el sello Hot Production el 11 de diciembre de 2001 llamado Doris de la Torre Legendary Cuban Diva.

5. La cantante María Enriqueta, conocida como “La Venus morena de la canción”, nació el 6 de septiembre de 1929 en la ciudad de Tampico, Tamaulipas. María Enriqueta García Escoto, su nombre de pila, fue hija de Estanislao García Espinoza, director fundador de la Banda de la Marina Nacional en la ciudad de México. En una pequeña reseña aparecida en una publicación de 1955, se dice lo siguiente sobre María Enriqueta: “la notable bolerista del elenco de la XEW es ampliamente conocida por todos los radioescuchas, ya que su voz sensual y bien timbrada ha recibido el aplauso de las mayorías; es también una buena vendedora de discos, pues son muy apreciadas las grabaciones que hace para RCA Víctor, marca de la que es artista exclusiva. La voz de La Venus morena se escuchará en la programación del aniversario de plata de La voz de la América latina desde México”. María Enriqueta  se casó con Roberto Monter, aunque procreó una hija, Cecilia Martínez, con el conocido director de orquesta Eleazar Martínez. María Enriqueta falleció el año de 1996. Tal vez sus más grandes éxitos fueron los boleros “Consejos a las mujeres” y “Por un puñado de oro”, entre otros éxitos.

6. Este viernes presentaremos una interesante versión del bolero “Cariño”, del Dr. Arturo Neri, interpretado por Los Cometas, agrupación originaria de Tecuala, Nayarit. Arturo Neri Calvo nació en Chilpancingo, Guerrero, el 17 de octubre de 1918, aunque fue registrado en la Ciudad de México. En 1932 hace sus primeras composiciones. En 1937 Arturo Neri ingresó al Conservatorio Nacional de Música, donde estudió piano, armonía y composición. En 1939, dio rienda suelta a la otra gran pasión de su vida: la medicina; ya que ingresó a la Facultad de Medicina de la UNAM, de la que se graduó como médico cirujano, para después, especializarse en Otorrinolaringología. A finales de 1940, y a petición de uno de sus compañeros de la facultad de medicina, Roberto Zendejas Zúñiga, compuso el bolero que lo haría famoso hasta nuestros días: “Cariño”. La madrina de esta canción a la postre, sería la renombrada cantante chiapaneca Amparo Montes, quien la estrenó en 1945 en la XEQ. Un año más tarde, la pieza fue grabada por Lupita Palomera. En 1953, se dio otro gran éxito cuando Los Hermanos Martínez Gil le grabaron “Estatua de carne”, canción inspirada en la belleza de Elsa Aguirre. La famosa actriz y cantante colombiana Sofía Álvarez le estrenó “Fría soledad”. Esta canción fue la primera canción que grabó en el sello RCA Víctor, el famoso Trío Las Sombras bajo la dirección de su hermano menor, el también compositor e intérprete, Raúl Neri. Pero sus logros no sólo llegaron en el plano musical, ya que como médico desarrolló un tratamiento eficaz para aliviar el asma. No menos célebre, es su invento: el jabón “Cariño”, también para curar afecciones de la piel. (Con datos de la SACM).

7. Para deleite de los gustosos de la música de los tríos mexicanos antiguos y gracias a las amables sugerencias de los radioescuchas, presentaremos algunas canciones sorpresa en las voces y guitarras del Trío Los Pepes. Según un texto publicado en el disco editado por la AMEF, llamado “Dimensión 13-80”, cuando Los Panchos descubren una forma musical para interpretar temas románticos surgen de inmediato varias agrupaciones en forma de trío para acomodarse a la moda. Se forma entonces un trío de vida breve, pero muy importante en cuanto a repertorio, calidad interpretativa y la presencia de uno de sus miembros, que después llegó a destacar grandemente: Pepe Jara. Los Pepes se inspiraron en el estilo de un trío que ya destacaba en Puerto Rico, el Vegabajeño; su repertorio incluía títulos de los contemporáneos boricuas: “No me quieras tanto”, “Lo nuestro terminó”, “El pitirre”, “Entrega” y otros más. Pese al éxito obtenido, el trío se desintegró en 1949, tomando los otros Pepes (Sánchez y Suárez) cada quien su rumbo. En tanto Pepe Jara formó parte del trío Monterrey, el trío Culiacán, el Dueto Miseria y finalmente su consagración como “El trovador solitario”, cuando estrena boleros de Álvaro Carrillo. (Imagen del trío cortesía de Jaime Chapa).

8. A través de este medio damos las gracias a nuestro amigo y colaborador en El Espinal, Oaxaca, Camilo Enríquez, quien nos envió un interesante libro llamado “Chuy Rasgado y el trío Monteaban: historia de dos leyendas de la canción oaxaqueña”, escrito precisamente por la pluma de dos integrantes de esa agrupación: Delfino Ordaz Toledo y Delfino Ordaz Sánchez. Agradecemos a Camilo Enríquez el gusto que nos daremos leyendo este libro sobre estas figuras oaxaqueñas y más tomando en cuenta que hay poca información tanto del Trío Montealbán como del propio Jesús Rasgado Irigoyén, quien nació hace 100 años, el 7 de enero 1907, en Asunción Ixtaltepec, Oaxaca. Falleció el 28 de septiembre de 1948 en San Juan Guichicovi, Oaxaca. Fue un músico, compositor y cantante mexicano, en su repertorio compuso boleros y sones dirigió diversas bandas de música y orquestas en distintas regiones del Estado de Oaxaca, Veracruz y Chiapas. Su canción más conocida se titula Naela, un bolero de corte romántico que hasta la fecha tiene gran popularidad. Al cumplir doce años ingresó en la banda de música local donde ejecutó sus primeros instrumentos que fueron la tambora y los platillos fue en ese momento cuando decidió que se dedicaría de lleno a la música. El 28 de septiembre de 1948 murió en la Villa de San Juan Guichicovi, a consecuencia de una congestión cerebral. Las composiciones que dejó Jesús Rasgado son extensas y variadas ya que van desde boleros, sones, y piezas instrumentales plasmando en ellas emoción, ternura, alegría y dolor según las vivencias que tuvo a lo largo de su vida.

9. En la sección La cadena del recuerdo, desde Maracaibo, Venezuela,  Félix Hurtado del programa Americanciones de la emisora Radio Fe y Alegría, nos hablará de Luis Cruz, autor, compositor, cantante y guitarrista popular, nacido en la ciudad de Caracas, el 17 de Julio de 1930. Fue el único de su familia que tuvo inclinación hacia la vida artística destacándose desde muy temprana edad como músico y compositor, actividad que alternaba con labores del campo (agricultura y cría de ganado). En 1952, inicia sus estudios musicales de teoría, solfeo y guitarra clásica. Crea temas basados en la diversidad de la música popular latinoamericana que estaba de moda para la época (géneros; boleros, guarachas, valses, etc.). En 1953 compuso un clásico de la música venezolana, el tema “Cumpleaños Feliz”, y el motivo fue la petición que le realizara la novia de un amigo llamada Rebeca Sorondo, quien pidió al músico que le hiciera una canción para su cumpleaños, Luis Cruz comenta sobre este pasaje: “... me siento dichoso y satisfecho de ser el creador de esta canción quizás una de las más emblemática del país, como lo es y creo seguirá siendo por mucho tiempo, nunca imagine que fuera a tener la trascendencia que cada día tiene, se ha convertido en un icono, ahí lo dejo pues, para la posteridad para bien de mis hijos y mi país, Venezuela…” (Fuente: http://www.vtv.gov.ve).

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 04 de AGOSTO de 2017 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.

miércoles, 26 de julio de 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 28 DE JULIO DE 2017

MENÚ PARA EL PROGRAMA DEL VIERNES 28 DE JULIO DE 2017
* Presentaremos canciones y comentarios sobre el yucateco Armando Camejo
* En la sección La carpa, conoceremos a los Tex Mex, cómicos mexicanos de los sesentas
* Además disfrutaremos de La bella cubana, de José White. Pepe Jara falleció hace 12 años. Oiremos una rareza discográfica en voz de Enrique Quezada. En el Rincón norteño, El corrido del deportado con los hermanos Bañuelos. Presentaremos la voz de Ana María González 
* En la Cadena del recuerdo, desde Puerto Rico, una semblanza de la cantante boricua Luz Celenia Tirado y en cabina la presencia en vivo de la Bohemia Carrasco

1. Este viernes recordaremos y escucharemos canciones  del yucateco Armando Camejo, nacido en Mérida, Yucatán, en 1891. En el libro “La Canción yucatecas, su historia y creadores”, Mario Bolio García escribe que corría el año de 1914 y Armando Camejo Jiménez, cantante, músico y actor, trabajaba ya en el elenco del naciente teatro regional yucateco en Mérida, que había evolucionado y presentaba sus funciones en el “Salón Iris”, que más adelante sería el cine “Novedades”. Armando Camejo fue hijo del célebre organista Cornelio Camejo. La historia musical de Armando Camejo comienza con su padre Don Cornelio, que siendo sastre de oficio, era también organista e integrante del coro de la Santa Iglesia Catedral de la ciudad de Mérida en el año de 1900 y es quien descubre cualidades vocales en su hijo. Armando había aprendido la música de su padre, quien armonizaba las misas en la Catedral y en sus años mozos el niño Armando acompañaba a su padre y gozaba de la liturgia que despertaba en él su afición al canto. En junio de 1932, acompañándose de una guitarra musicalizó una poesía de José Santos Chocano titulada “Ansias”, surgiendo así su célebre bambuco "El Jaguar”. Luego dio a conocer su tema “Sepulturero” que resultó un éxito nacional y entonces personajes de renombre comenzaron a ofrecerle sus versos para que él los musicalizara. En 1935 Camejo formó parte del quinteto "Zamná”, formado por Carlos Salazar Manzanero, Anselmo "Chelmi" Castillo, Arturo Cámara Tappan, Benigno “Yum” Lara Fóster y Armando Camejo. Actuó en las películas "La india Bonita", "La Golondrina” y "Al Son de la Marimba. Foto de Camejo tomada de http://www.poresto.net.

2. José de Jesús Jara Martínez, “El Trovador Solitario”, falleció hace 12 años, el 30 de julio de 2005. Nació en Ciudad Madero, Tamaulipas, el 25 de diciembre de 1928, pero desde pequeño se fue a vivir a Chihuahua; y desde 1947 llegó a la capital mexicana en 1947. Cancionero. Se dio a conocer en la radioemisora XEW en 1951, cantando boleros. Más tarde actuó en teatro de revista e hizo giras por Centro y Sudamérica con su propia orquesta de baile. Alcanzó fama cantando Sueño guajiro, de Agustín Lara. Más tarde dio a conocer las canciones más representativas de Álvaro Carrillo. Por su parte compuso las canciones Aléjate de mí, Ándale, Besos presos, Eres, Ignorancia, Indestructible, Qué mala suerte, Una experiencia y Una limosna, entre otras. En la década de los cincuentas formó parte de diferentes tríos como Los Pepes, el Culiacán y Los Duendes. Además fue parte, junto con Gilberto Valenzuela, del Dueto Miseria. Posteriormente se consolidó como solista. Estuvo casado algún tiempo con la actriz cómica Leonorilda Ochoa. Pepe Jara, uno de los exponentes más importantes del bolero y principal intérprete del compositor Álvaro Carrillo, murió a los 76 años de edad a causa de complicaciones diabéticas. El Trovador Solitario decía que las mujeres le podían fallar, pero su guitarra nunca; por eso la consideraba su más fiel compañera.

3. Olimpo León Cárdenas Moreira nació en Vinces, Ecuador, el 5 de julio de 1923 y murió en Tuluá, Colombia, el 28 de julio de 1991. A los tres años de edad quedó huérfano de madre, y a los cinco de padre; y fue criado por su madrina, quien le inculcó el gusto por la música y le llevó a vivir a la ciudad de Guayaquil. En Guayaquil empezó a cantar a los 10 años en programas infantiles, en la emisora La Voz del Litoral. Cuando contaba con 18 años se casó con Vitalia Cobo. A los 20 años de edad se trasladó a Guayaquil donde participó en programas musicales como La Corte Suprema del Arte de CRE (Radiodifusora del Ecuador). En esta época dio comienzo a su carrera que lo llevaría a convertirse en un popular vocalista en la década de los 50. En 1945 empezaron sus presentaciones en programas de aficionados de la Corte Suprema del Arte, cantando tangos. Más tarde, el cantautor Carlos Rubira Infante lo guió y enseñó a cantar pasillos y ritmos ecuatorianos, debido a que Olimpo solo cantaba, tangos y valses argentinos. Luego formaron el dúo Cárdenas-Rubira y grabaron el 23 de junio de 1946, el pasillo «En las lejanías» compuesto por Carlos Rubira Infante y Wenceslao Pareja. El tema musical tuvo gran éxito en la carrera de Olimpo y también fue interpretada a dúo con Julio Jaramillo y después por el famoso dúo de Bowen y Villafuerte. El dúo Cárdenas-Rubira fue el primero en grabar un disco realizado completamente en el Ecuador. Ifesa les otorgó Diploma de Honor al mérito musical en reconocimiento.

4. En la sección Un tema mil versiones presentaremos varias canciones con el título de “Sinceridad”, entre ellas una autentica rareza discográfica de 1948, se trata de una pieza compuesta por Antonio Escobar y Gabriel Luna de la Fuente y llevada al disco por la voz solista de Enrique Quezada, antes de integrar al trío Los Diamantes, para el sello Peerless. En ese disco también incluyó “Muchachita”, de Mario Ruiz Armengol. El acompañamiento será de la Orquesta Tropical de Antonio Escobar. Gracias al coleccionista Luis Jaime Chapa por facilitarnos esta portentosa y raras grabación. Enrique Quezada, integrante fundador de Los Tres Diamantes, nació en Cuernavaca el 10 de julio de 1920, aunque oficialmente fue registrado con fecha 26 del mismo mes. Falleció el 4 de mayo de 2010. Antes de integrar Los Tres Diamantes, cada uno de los integrantes (Enrique Quezada, Gustavo Prado y Saulo Sedano) tenía ya antecedentes artísticos profesionales. Enrique Quezada se inició desde muy pequeño cantando en los coros de la ciudad de México. Profesionalmente se inició en el año 1937 cantando en radio emisoras pequeñas como XEN, XERC, XEFO, hasta que llegué a la XEB en el año 1940. Trabajó en teatro, clubes nocturnos y en algunas películas como “El capitán mala cara” con el actor Pedro Armendáriz y en “Pito Pérez se va de bracero”, con el cómico Manuel Medel.  También salía a hacer actuaciones por la República y se le conocía como El Crooner. Enrique Quezada cantaba con las mejores orquestas de México, como Roy Carter, Luis Arcaraz, Evaristo Tafolla, Chucho Rodríguez, hasta su posterior integración a Los Tres Diamantes en 1948. (Con información de www.nuestrostrios.blogspot.com).

5. Gracias a las amables peticiones de los radioescuchas, presentaremos la voz inolvidable de Ana María González. Esta cantante mexicana fue una intérprete mexicana muy querida incluso en Sudamérica y en España en los años cincuentas. Ella cantó no solamente boleros, sino diversos temas españoles, rancheras y otros géneros más. Nacida en Jalapa, Veracruz, el 31 de agosto de 1920, María Olga del Valle Tardós, su verdadero nombre, debutó en la emisora XEB, según anota Pablo dueñas en si libro “Bolero, historia gráfica y documental”. Se integró al ámbito carperil actuando en “El liriquito” y posteriormente a la Carpa Ofelia para consagrarse en el Folies Bergère. Bolerista y cantante de ranchero, también cantó con maestría música de España, país donde triunfó en toda la línea, cuando este era el escenario más difícil para artistas latinos. Agustín Lara la contrató como intérprete oficial para una gira por varios países latinoamericanos, en donde ya era famosa, gracias a la difusión de su talento a través de la radio y los fonógrafos; siendo ella la que estrenara en Argentina, la melodía "Solamente una vez" canción compuesta originalmente por Lara para José Mojica; éste había tomado entonces la decisión de irse al convento, pues su vida había perdido todo sentido al morir su madre. Esta gran intérprete murió a causa de un infarto, el 20 de junio de 1983 en la Ciudad de México.

6. En reciente entrevista con el programa Hasta que el cuerpo aguante, el investigador y coleccionista Pablo Dueñas afirmo que una de las canciones que más le gusta es “La bella cubana”, de José White, la cual escucharemos este viernes. José Silvestre de los Dolores White Lafitte, más conocido como José White, nació en Matanzas, Cuba, el 1 de enero de 1836 y murió en París, el 15 de marzo de 1918. Fue un violinista y compositor afrocubano. Por su insuperable técnica y sentido interpretativo le fue otorgado el apodo de “Paganini Negro”. José White era hijo de Carlos White Lafitte, un comerciante francés, y de María Escolástica, una mujer afrocubana exesclava. En marzo de 1854 hizo su primer concierto público en Matanzas, acompañado por el pianista y compositor estadounidense Louis Moreau Gottschalk (1829-1869), quien lo incitó a completar sus estudios del instrumento en Francia. El concierto fue para recaudar dinero para poder enviar el joven White al otro lado del Atlántico. El año siguiente (1855) empezó a estudiar en el Conservatorio de París y fue apreciado por Gioachino Rossini. Estudió violín con uno de los más prestigiosos violinistas franceses, Jean-Delphin Alard, composición con Henri Reber y contrapunto y fuga con Ferdinand Taite. El 29 de julio de 1856, tras solo un año de estudio, consiguió el primer premio del Conservatorio de París. Como compositor, White estaba bajo la influencia de músicos europeos como Henryk Wieniawski y Henri Vieuxtemps. Compuso, entre otras cosas, un virtuosístico Concierto de violín (que fue grabado a mediados del siglo XX por la empresa discográfica Columbia).

7. Este viernes tendremos de nueva cuenta una grata sorpresa en la cabina de Hasta que el cuerpo aguante, ya que escucharemos en vivo a la agrupación aguascalentense Bohemia Carrasco, un grupo familiar que interpreta música de antaño y está conformado por Don Esteban Carrasco en la guitarra y sus dos hijos que ejecutan el acordeón, además de ritmos, percusiones y voces. Lo interesante de esta familia de gustos musicales, es que han sido nuestros radioescuchas por muchos años, junto con su madre Doña Virginia López, que curiosamente y a pesar de tener ese musical nombre no forma parte de la agrupación. Esperemos que sea de su gusto esta sorpresa musical con la Bohemia Carrasco que estará en cabina del programa interpretando canciones de diferentes autores, pero siempre con el mismo sentimiento de antaño. La familia Carrasco, ahora como Bohemia Carrasco, nos ha acompañado en varios eventos musicales que ha organizado el equipo de Hasta que el Cuerpo Aguante, por lo que les gradecemos su amable disposición.

8. Este viernes en la sección Rincón Norteño escucharemos el corrido “El deportado”, una grabación muy antigua del sello Vocalion, llevada al disco por Los Hermanos Bañuelos, dúo vocal con guitarras. Este corrido trata de un hombre que emigra desde el centro de México hasta la frontera para escapar de la Revolución en México. “Músicas migrantes: la movilidad artística en la era global”,  cuyo autor es Mario Olmos Aguilera, es un libro que recoge trabajos de investigación musical sobre géneros musicales, mujeres y hombres migrantes que, en su peregrinar hacia otras tierras por motivos más disímiles, se hacen acompañar de sus anhelos volcados en notas y frases musicales. Ahí se destaca que para entender la música norteña es necesario colocar en primer plano las primeras grabaciones discográficas de finales de 1920. Entre los mexicanos en Estados Unidos, el honor de la primera grabación comercial pertenece a los Hermanos Bañuelos, un dúo de guitarras que grabó “El lavaplatos”, en Los Ángeles, el 11 de mayo de 1926. La grabación corrió a cargo de la RCA Victor . Después de los Hermanos Bañuelos siguieron Pedro Rocha y Lupe Martínez en 1928 y el Cuarteto Carta Blanca en el mismo año.  También en 1928, el acordeonista Bruno Villarreal hizo lo propio. Los primeros discos se grabaron en una pasta dura que incluía una melodía por lado.  Con base en lo anterior, Olmos Aguilera concluye se puede afirmar entonces que 1928 fue el año del inicio de la etapa comercial de la música popular norteña de acordeón y bajosexto.

9. En la sección La Carpa, escucharemos a Los Tex Mex, un trío de cómicos mexicanos que eran bailarines, cantantes y comediantes y que tuvieron su mejor época en los años sesentas. Este trío que nos recuerda un poco a los Xochimilcas, estaba integrado por “El compadre Chaparrito” o “El reintegro”, “Panchito” y “Carlitos”. Dentro de la discografía de los Tex Mex existe un disco LP llamado “Esa no porque me hiere”,  que incluye 10 canciones aderezadas con pláticas jocosas. Entre las piezas podemos mencionar la ya comentada “Esa no porque me Hiere”, “Speedy González”, “El pollo”, “El chauffer”, “Las suegras”, “Elvis Pérez”, “Rosita Alvirez”, “Los dos hermanos”, “Cosas” y “Partido por la mitad”.  Los Tex Mex tuvieron participación en el cine mexicano en tres películas: “Han matado a Tongolele”, filmada en 1948; Las cuatro milpas, estrenada en 1960 y Viva Jalisco que es mi tierra, llevada a la pantalla en el año de 1961. En estos filmes la participación de Los Tex Mex es como artistas intérpretes y ejecutantes de música. Antes que ellos aparecieran, existió un grupo que grabó para el sello Taxco de los Ángeles, California con el nombre de Los Mex Tex, cuyos integrantes eran el director y baterista Manuel S. Valdez, el guitarrista Roy Salas, el acordeonista Porfirio Cantú y el saxofonista Fred Pérez. Pero no confundir a ambas agrupaciones.

10. En la sección La Cadena del recuerdo, Jorge López Paez, desde Puerto Rico, nos ofrecerá una cápsula sobre la cantante boricua Luz Celenia Tirado. De acuerdo con datos de David Morales, investigador y coleccionista de la música jíbara, esta cantante nació en el barrio Limón de Guánica, el día 1 de agosto de 1928, pero su familia se mudó a San Germán. Desde niña cantaba en casa, imitando a su tía que cantaba en parrandas y fiestas de reyes. Su abuelo, Mauricio Santiago, cantaba lamentos y décimas mientras halaba la carreta de bueyes en su hato. Luz Celenia cuenta que fueron su abuelo y su madre quienes le enseñar a cantar y recitar la décima. Su mama cantaba también tangos de Carlos Gardel, rosarios católicos y música cubana. Cuando tenía nueve años, su padre la llevo a un concurso de niños en la emisora WPRA de San Germán. Su primer incurso profesional surgió en 1949 cuando consiguió presentarse en una novela radial en la emisora local de San Germán. Esta participación le ayudó a conseguir un contrato en la emisora cantando música típica en el programa "Cantándole a Puerto Rico". En el 1958 Luz Celenia sale a Nueva York a buscar ambiente y oportunidades. Su primera grabación fue en 1959 con el trovador Germán Rosario. Su primera grabación como solista fue en 1962 para el sello Angelina donde, junto al cuatrista Nieves Quintero, grabó “Muchachita del campo” de Nemesio Acevedo y al dorso el vals “Todo por seguirte” de su propia autoría. En 1971, cuando regresó a Puerto Rico, trabajó como administradora de la tienda de discos de Ismael González en la Parada 15. En 1975, se muda definitivamente a San Germán, donde todavía radica. (Con datos de http://mujertrova.blogspot.mx).

Estas canciones y otras más son las que le presentaremos este viernes 28 de JULIO de 2017 en “Hasta que el cuerpo aguante”, desde Aguascalientes, México. 

* El orden en que se anuncian las canciones no necesariamente es el orden en que se presentarán durante el programa.